I really enjoyed this introduction to Tres Dimensiones written by Claudia Lopez… Very funny…

Subiéndose al carro de la moda de las tres dimensiones, Juan Pablo Villalpando nos muestra, en esta exposición, algunas de sus últimas paranoias en forma de dibujos. Nada nuevo bajo el sol, son casi las mismas imágenes de siempre, pero esta vez pasadas por el filtro de unas incomodas gafas que nos tendremos que poner p …ara ver toda la exposición. De esta forma veremos los dibujos en tres dimensiones (según nos cuenta el artista) ¡Cómo si hubiera alguna necesidad!, en fin, allá el.

La muestra la componen 15 litografías anaglíficas y algunas estampas digitales de menor tamaño que estarán expuestas hasta el próximo 16 de enero. Lo dicho, nada nuevo, pero como dice Juan Pablo, mirando las estampas, podremos pasar un rato divertido, aunque una servidora lo ha intentado y lo único que he conseguido en un mareo considerable, yo ya les he avisado.

Claudia López

This show is such an exceptional opportunity…What a priviliege it must be to coincide with this splendid exhibit while in New York…

Pioneer of abstract art and eminent aesthetic theorist, Wassily Kandinsky (b. 1866, Moscow; d. 1944, Neuilly-sur-Seine, France) broke new ground in painting in the first decades of the twentieth century. His seminal pre–World War I treatise Über das Geistige in der Kunst (On the Spiritual in Art), published in Munich in December 1911, lays out his program for developing an art independent of one’s observations of the external world. In this and other texts, as well as his art, Kandinsky strove to use abstraction to give painting the freedom from nature that he admired in music. His discovery of a new subject matter based solely on the artist’s “inner necessity” occupied him throughout his life.

 In 1929, Solomon R. Guggenheim began collecting Kandinsky’s canvases under the advisement of artist Hilla Rebay. Ten years later, their enthusiasm for the artist’s paintings, among those of others exhibiting nonobjectivity—a style of abstraction with no ties to the observable world—led them to open the Museum of Non-Objective Painting in New York. Later, Frank Lloyd Wright was commissioned in 1943 to design what has become one of the architect’s greatest masterpieces, which opened in 1959 as the Solomon R. Guggenheim Museum. Though Kandinsky is known for an abstraction that expressed his inner nature and Wright for his advancement of an organic architecture connected to the natural world, both advocated a spiritual, aesthetic experience of life. During the museum’s fiftieth-anniversary year, the landmark building is filled with the canvases that encouraged its inception.

Kandinsky draws from the three largest public holdings of the artist’s work—that of the Guggenheim Museum; the Centre Pompidou, Paris; and the Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich—as well as renowned institutions and private collections to bring together nearly one hundred paintings dating from 1902 to 1942. Complemented by more than sixty works on paper from the collections of the Guggenheim and the Hilla von Rebay Foundation, this retrospective retraces the painter’s oeuvre, focusing on key events that informed his life and work. Marked by two world wars and the 1917 Russian Revolution, Kandinsky’s abstraction did not develop in unworldly detachment; rather, this exhibition, the first full-scale retrospective of his career in the United States since 1985, reveals the complex background to his artistic advancement.

This exhibition is curated by Tracey Bashkoff, Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Christian Derouet, Centre Pompidou, Paris; and Annegret Hoberg, Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich

Certainly not everybody’s cup of tea (not even mine at times) but an important project by a truly unique performance artist…
La artista Marina Abramovic (Belgrado, 1946) mezcla lo divino y lo cotidiano en una serie dedicada a Santa Teresa de Jesús, que podrá visitarse en La Fábrica Galería de Madrid desde hoy y hasta el próximo 12 de diciembre. La muestra incluye fotografías y un vídeo que la artista realizó basándose en las experiencias místicas de la santa, con la cocina de la sede de La Laboral en Gijón como telón de fondo.

«The Kitchen. Homage to Saint Therese (La cocina. Homenaje a Santa Teresa)» es el título de esta serie, la siguiente a una exposición anterior de la artista sobre «erótica de los Balcanes», en la que cambia de rumbo y relaciona sus experiencias con las de la santa. Un título «doméstico», que hace referencia a la cocina, como escenario en el que Abramovic pasó su infancia. Una habitación de la casa en la que «se habla de sueños, secretos y rituales y se mezcla el mundo doméstico y el espiritual».
«Pienso que si se tiene una infancia maravillosa no se puede ser un buen artista», señaló Abramovic, que nació en 1946, tras la Segunda Guerra Mundial y no tuvo una niñez fácil. Sus padres, políticos comunistas eran «héroes nacionales» para quienes su hija «no era una prioridad». Por eso, Abramovic se crió con su abuela, «una mujer muy religiosa».

Cuando creció, se interesó por los diarios de Santa Teresa de Avila y, sobre todo, por las experiencias de levitación. «Ese es el punto de arranque de mi obra», explicó Abramovic, que en la cocina de La Laboral de Gijón (que hace años daba de comer a 5. 000 huérfanos y hoy está abandonada) encontró el lugar idóneo para dar forma a esta experiencia. Entre las instantáneas de la muestra destaca un díptico sobre la meditación y la contemplación, dos retratos casi exactos, que reflexionan sobre la mortalidad, meditación y contemplación
La artista aparece en las nueve instantáneas fotografiada en diferentes performances. Una de ellas es una escena de levitación, en otra, con una perspectiva cenital, se ve a Abramovic tendida en el suelo tras un éxtasis. También hay un díptico sobre la meditación y la contemplación, dos retratos casi exactos, que reflexionan sobre la mortalidad, «algo muy recurrente en el arte español».
Tras esta exposición, que también incluye un vídeo, una fotografía con la artista cocinando inspirada en la muerte y mezclando tres elementos místicos (leche, sal y sangre), Abramovic mostrará en primavera de 2010 en el MoMA una retrospectiva y volverá a España para presentar en el Teatro Real una obra musical en 2012.
En el MoMA la artista pretende que las performances no se vean sólo «como un entretenimiento» sino como «un arte vivo, un arte con mayúsculas». «Se considera algo alternativo y quiero que se cambie el estatus de estos artistas», dijo, apuntando que en EE.UU volverá a presentar una performance con desnudos que ya hizo en 1977. «Entonces no fue un escándalo, a ver qué ocurre ahora».
Después, en el mes de septiembre, comenzará los ensayos del proyecto que llevará a escena en el Teatro Real de Madrid, ya con Gerard Mortier como nuevo director artístico. Una obra musical con dos escenas sobre la vida y otras dos sobre funerales, bajo la dirección del norteamericano Bob Wilson.

I have always been such a fan of the Bauhaus…Some of the artists associated with it are long time favorites of mine, particularly Paul Klee whose work I admire a great deal…Do see this retrospective if you are lucky enough to be in the neighborhood, so to speak…I highly recommend it…

This survey is MoMA’s first major exhibition since 1938 on the subject of this famous and influential school of avant-garde art. Founded in 1919 and shut down by the Nazis in 1933, the Bauhaus brought together artists, architects, and designers in an extraordinary conversation about the nature of art in the age of technology. Aiming to rethink the very form of modern life, the Bauhaus became the site of a dazzling array of experiments in the visual arts that have profoundly shaped our visual world today.

The exhibition gathers over four hundred works that reflect the broad range of the school’s productions, including industrial design, furniture, architecture, graphics, photography, textiles, ceramics, theater design, painting, and sculpture, many of which have never before been exhibited in the United States. It includes not only works by the school’s famous faculty and best-known students—including Anni Albers, Josef Albers, Herbert Bayer, Marianne Brandt, Marcel Breuer, Lyonel Feininger, Walter Gropius, Vasily Kandinsky, Paul Klee, László Moholy-Nagy, Lucia Moholy, Lilly Reich, Oskar Schlemmer, and Gunta Stölzl—but also a broad range of works by innovative but less well-known students, suggesting the collective nature of ideas.

El museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) celebra desde hoy el noventa aniversario de la creación de la alemana Escuela Bauhaus, donde nació el conocido movimiento vanguardista, con una extensa exposición de más de 400 objetos.

Bajo el título de “Bauhaus 1919-1933: Talleres para la modernidad”, el museo neoyorquino conmemorará, hasta el próximo 25 de enero, el origen del que los responsables de la institución definen como “el movimiento vanguardista más famoso e influyente del siglo XX” y que “dio forma al mundo visual contemporáneo”.

Quienes visiten el MoMA podrán disfrutar así de más de 400 objetos que rinden cuenta del impacto que la Bauhaus tuvo en el arte del siglo pasado, desde que su conocida escuela se fundara en 1919 en la ciudad alemana de Weimar y hasta que el régimen nazi la enviara al exilio en 1933.

“Los estudiantes y los profesores de la Escuela Bauhaus quisieron replantearse cada una de las formas de la vida contemporánea, por lo que la institución se convirtió en el lugar donde se desarrollaron deslumbrantes experimentos en las artes visuales”, explicaron los responsables del museo neoyorquino en un comunicado.

Un movimiento influyente

El MoMA expone ejemplos de los distintos campos en los que influyó un movimiento asociado habitualmente a la arquitectura y al diseño, por lo que la muestra tiene piezas de mobiliario, gráficos, textiles, cerámica, diseños de vestuario, pinturas y esculturas, entre otros objetos.

Se trata de obras de algunos de los maestros de la Bauhaus, así como de algunos de los alumnos más famosos de la misma, como Anni Albers, Josef Albers, Herbert Bayer, Marianne Brandt, Marcel Breuer, Lyonel Feininger, László Moholy-Nagy, Lucia Moholy, Lilly Reich, Oskar Schlemmer o Gunta Stölzl. La muestra recorre así las múltiples ramificaciones del movimiento y su influencia en corrientes artísticas que van del expresionismo, al futurismo o el dadaísmo, con Wassily Kandinsky y Paul Klee como máximos exponentes.

Primera gran exposición en el MoMA

Se trata de la primera aproximación exhaustiva que el MoMA dedica a ese movimiento vanguardista identificado con la utopía, la linealidad y la estética de lo funcional, desde 1938, cuando fue el mismo fundador de la Bauhaus, Walter Gropius, quien se encargara de organizarla.

Desde la entidad neoyorquina se asegura que “ningún otro museo del mundo recibió tanta influencia de la Bauhaus como el MoMA, cuyas colecciones se diseñaron para acoger un número sin precedentes de medios artísticos y de diseño”. Muestra de ello es que la muestra recoge 80 obras de la colección del museo neoyorquino, además de unos 150 objetos raramente expuestos, procedentes de las tres instituciones que tutelan el legado Bauhaus en Alemania -la Fundación Clásicos de Weimar, su homóloga de Dessau y el Archivo Bauhaus de Berlín-.

El resto de obras han llegado como préstamos de varias fundaciones, del Centro Pompidou de París o del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, entre otras instituciones y colecciones privadas europeas y estadounidenses. Algunos de esos objetos han sido exhibidos en una muestra del museo Martin Gropius de Berlín, donde en julio abrió la exposición “El Modelo Bauhaus”, también para celebrar los noventa años del movimiento.